“ALEGORIA DO AMOR E DO TEMPO” (1540-1545)

Esta obra de Bronzino* é um maravilhoso exemplo do Maneirismo, e no modo como contorce as posturas naturais, exagera as expressões e enfatiza o movimento, um evidente precursor do BARROCO. A luz serena que banha e a suavidade da cena, são típicas do estilo do artista, um bem-sucedido pintor de retratos em sua época, Bronzino com freqüência colocava seus modelos em poses estranhamente rígidas. As expressões um tanto frias e desligadas de seus modelos impelem o espectador a procurar atentamente por um vislumbre de emoção. Esta obra, pintada para o grão-duque da Toscana e presenteada a Francisco I, rei da França, é destinada ao divertimento e edificação, de um grupo pequeno de pessoas ricas e nobres, é uma Alegoria (denominada “ALEGORIA DO AMOR E DO TEMPO”) e representa a Vênus (deusa romana do amor, Afrodite para os gregos). É Uma obra requintada e que tem a pretensão de alertar o espectador de que junto com o Amor sensual, representado pela Vênus, podem aparecer o Ciúme , representado por uma mulher que põem as mãos na cabeça, num grito silencioso de desespero, e a Inveja , representada por uma jovem, cujo corpo mostra por baixo de uma vestimenta verde, um corpo de serpente e uma garra. Bronzino retratou a deusa sendo beijada eroticamente por Cupido (Eros para os gregos), que acaricia seu seio (gesto que é o centro geométrico da obra), já ferida de paixão (traz a seta com que Cupido a atingiu em uma das mãos, na outra o “Pomo de ouro” **) . À direita do grupo central, vemos um menino sorridente que representa o Prazer, pronto para atirar em celebração, pétalas de rosas sobre o casal. Ao alto vemos duas figuras erguendo um véu azul que parecia cobrir a cena. O homem é Cronos, Deus do Tempo, e sustenta sobre o ombro direito uma ampulheta. É o Tempo que revela as complicações ou não que acompanham o amor, cheio de paixões, desejos, prazeres, ciúme, poder e inveja. A mulher, a esquerda, representa a Verdade, sempre companheira do tempo e com o qual troca olhares reveladores, é ela quem desvenda a difícil e perigosa combinação de alegrias e frustrações, sentimentos quase inseparáveis do Amor. O quadro procura transmitir um ensinamento moral: o ciúme e a inveja podem ser companheiros tão inseparáveis do amor quanto o prazer.

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( * ) Mais conhecido por Bronzino ou Il Bronzino , seu nome era Agnolo Tori também chamado com os nomes de Ângelo di Cosimo di Mariano, Ângelo Bronzino ou Agnolo Bronzino (nasceu em Florença, 17 de novembro de 1503 onde também faleceu em 23 de novembro de 1572). Essencialmente um pintor palaciano, devotado ao gosto da Corte e um dos maiores representantes do MANEIRISMO. Provavelmente por este motivo alguns estudiosos o acusam de preciosista, excessivo, cujo resultado é frio e impessoal, e ainda que o artista parece mais preocupado com os resultados temáticos de suas obras. Também, como representante do maneirismo, Bronzino usa cores irreais, muitas vezes contrastantes.

( ** ) A narrativa mitológica diz que Minerva era a deusa da sabedoria mas, certa vez, cometeu uma tolice, disputar um concurso de beleza com Juno e Vênus. Todos os deuses foram convidados para o casamento de Peleu e Tétis, com exceção de Éris, Deusa da Discórdia. Furiosa com sua exclusão, a deusa atirou entre os convivas um pomo de ouro com a inscrição “À mais bela”. Juno, Vênus e Minerva reclamaram a maçã ao mesmo tempo. Júpiter, não querendo decidir assunto tão delicado, mandou as deusas ao Monte Ida, onde o pastor Páris apascentava seus rebanhos, e a ele foi confiada a decisão. As deusas compareceram então diante dele. Juno prometeu-lhe poder e riqueza; Minerva, glória e fama na guerra; e Vênus, a mais bela das mulheres para esposa; cada uma delas procurando influenciar a decisão a seu favor. Páris decidiu favoravelmente a Vênus e entregou-lhe o pomo de ouro, tornando assim, suas inimigas as outras duas deusas.

ALGUMAS DAS PINTURAS ( do RENASCIMENTO e do BARROCO, respectivamente) ANALISADAS NA ÚLTIMA SEMANA (clique nas imagens para apreciar os detalhes)

"NASCIMENTO DE VÊNUS" - Sandro Botticelli

"CRISTO SENDO DESNUDADO"
El Greco (Domenikos Theotokopoulos)

"RONDA NOTURNA" - Rembrandt

AVALIAÇÃO DO 1º BIMESTRE
TRABALHO DE GRUPO (até cinco componentes)

° TEMA:

" Arte Renascentista e Arte Barroca " *

° DESENVOLVIMENTO:

a) Momento Histórico Cultural;
b) Caracteríticas;
c) principais nomes (Artistas);
d) Bibliografia.

° DATA DE ENTREGA:
Terça-feira 10 de maio (turmas da terça)
* Obs.: O grupo deverá abordar também o "Barroco Brasileiro", que pode ser pesquisado em "linques" neste blog (à direita).



Segunda-feira 9 de maio (turmas da segunda)

CURIOSIDADES PICTÓRICAS I

L O U I S   S O U T T E R

LOUIS SOUTTER ( nasceu na Suiça em1871,) originário de uma família da alta classe média suíça, era primo de Charles Edouard Jeanneret - Le Corbusier, estudou desenho, arquitetura e música (violino), sem se graduar. Viajou para os EUA em1897 e se estabeleceu em Colorado Springs onde dirigiu o departamento de arte da faculdade de Colorado e contraiu matrimonio com Madge Fursman. Depois de seu divórcio retornou para a Suíça levando a partir de então, uma vida errante. Foi internado em um hospital psiquiátrico aos 52 anos de idade, onde passou o resto de sua vida ( morreu aos 71 anos em 1942). As primeiras obras de Louis Soutter foram influenciadas pela pintura mural romana, uma vez no hospital psiquiátrico, sua arte passou por uma mudança radical. Com dificuldades de visão começou a pintar usando os de dedo e, ás vezes, o corpo todo. Essa segunda fase do seu trabalho sofreu incompreensão e rejeição, após sua morte, porém, seu trabalho ganhou o reconhecimento junto aos críticos de arte que passaram a considerá-lo um dos pioneiros da chamada “Arte Bruta”*, termo proposto por Jean Dubuffet na década de 1940 para a arte feita por indivíduos sem formação artística, ignorantes (consciente ou inconscientemente), em geral crianças, reclusos, doentes mentais, esquizofrênicos, gente onde não há qualquer preocupação em realizar uma obra de arte segundo um padrão conhecido. A comunicação artística na arte bruta faz-se em moldes tradicionais, espontâneos, sem referências estéticas, de forma livre de preconceitos. Não significa que se apresente como crítica da própria arte, não se trata de uma forma de expressão que desafie cânones, pois caracteriza-se pela indiferença total à arte e ao artístico.

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*A expressão Art Brut (Arte Bruta) foi criada pelo pintor francês Jean Dubuffet (1901-1985) em 1947, com o objectivo de caracterizar o trabalho produzido fora do sistema tradicional e profissional da arte (pelo que é também conhecido por Outsider Art ), que o artista considerava mais autêntico e verdadeiro que o dos artistas eruditos. Desta forma, o conceito de Arte Bruta pretendia englobar produções muito diversificadas realizadas por crianças, por doentes mentais e por criminosos, que apresentavam em comum um carácter espontâneo e imaginativo. Englobava também algumas realizações de carácter público e colectivo, como o graffiti.

Em Novembro de 1947, Dubuffet apresentou pela primeira vez ao público a sua colecção de obras de Arte Bruta na galeria René Drouin, em Paris. Em Junho do ano seguinte, foi constituída a Companhie de l'Art Brut (Companhia de Arte Bruta) que assumia como função principal a valorização, o incremento e a divulgação destes trabalhos. A esta associação juntam-se vários artistas, críticos de arte ou escritores como André Breton, Jean Paulhan e Michel Tapé.

Mais tarde, em 1967, a colecção de Arte Bruta foi objecto de uma grande mostra organizada pelo Museu de Artes Decorativas de Paris e, em partir de 1976, foi transferida para Lausanne, para o museu de Arte Bruta.

Os Cahiers de l'Art Brut , publicados desde 1964, constituíram o veículo de divulgação de trabalhos teóricos e artísticos de muitos autores, de entre os quais se destacam Joseph Crépin e Augustin Lesage.

(clique nas imagens para ampliá-las)

PINTURA I

PINTURA II

PINTURA III

PINTURA IV

PINTURA V

PINTURA VI

PINTURA VII

Louis Soutter, o trágico e “louco” artista suíço, ainda em vida, foi considerado um grande artista por pessoas como Hermann Hesse (abaixo), que escreveu um poema em sua homenagem e nos anos 90 foi realizada uma exposição, de seus trabalhos em Parism que foi dividida em períodos de acordo com títulos de suas obras como "E se o sol retornar para mim novamente", "Os incrédulos” etc. Em uma carta a seu primo e colaborador Le Corbusier, ele escreveu: "Os ‘incrédulos’ são seres sofredores, uma casta purificada e elevada pela dor torturante do isolamento. [...] Nosso envolvimento com a chamada realidade realmente nos separa da realidade. Nossas preocupações, objetivos, alegrias e tristezas, realmente nos separaram da realidade suprema que é a marcha irreversível para o esquecimento. O confinamento é um dos piores castigos, porque nos expõe ao nada, mas esperando. A inteligência se torna nossa inimiga quando nos expõe à verdade e não nos mostra como escapar dela. Portanto, a arma mais estúpida, a coragem, é a nossa arma única e final. A coragem é o que nos faz tomar conta das nossas preocupações diárias, como se elas realmente importassem. A coragem é um braço para o assim chamado derrotado como a alegria é um braço para o chamado vitorioso. O budismo, que nos diz que tudo é ilusão, ainda não explica para quê esse conhecimento é útil*. Vista-se em sua coragem como em uma camisa suja, porque não há uma limpa possível. A coragem é uma virtude e a fé justifica a existência de virtudes.” * pode ser um aviso: cuidado para que seus sonhos não se tornem obsessões que se transformam em uma prisão.”

PINTURA VIII

PINTURA IX

(pintura executada na frente e no verso da tela)

PINTURA X - frente

 (detalhe do lado esquerdo da pintura anterior)

PINTURA XI- verso

(detalhe do lado esquerdo da pintura anterior)

PINTURA XII

PINTURA XIII

(detalhe do lado de cima da pintura anterior)





PINTURA XIV

(detalhe do lado debaixo da pintura anterior)
.
.


Um poema do grande escritor alemão
Hermann Hess em homenagem a

LOUIS SUTTER

HERMANN HESS

A pintar quadros lindos e perfeitos,

a tocar no violino sonatas sem defeito

e lindas - a Kreutzer, à Primavera –

aprendi, já faz tempo, quando jovem

corria para o mundo aberto e claro:

eu era moço, era louvado e era amado...

Mas certa vez me olhou pela janela,

a rir com a maxila descarnada,

a Morte – e o coração

gelou dentro de mim, gelou em mim

e me gela ainda hoje. Eu escapei,

vaguei de um lado para outro,

mas me pegaram e me puseram fechado

ano após ano. Da minha janela,

por entre as grades, ela me arregala os olhos

e arregalada ri. Me conhece. Ela sabe.

Em papel grosso às vezes pinto homens,

pinto mulheres, pinto Jesus Cristo,

Adão e Eva, o Gólgota,

não perfeitos, não lindos, mas sentidos.

Com tinta e sangue eu pinto, com verdade,

e a verdade é terrível.

Recubro a folha, risca sobre risca,

mais alta, mais grudada, cinza, prata, preta,

e as pontas dos hieróglifos

deixo encresparem-se espalhados feito musgo,

crepitarem como granizo seco, afilarem-se em espinha de peixe,

cinzentos véus, redes de linha fina, teias de aranha,

vento na relva, trança de raízes, caligrafia,

rabisco dez mil linhas em blocos e mais blocos,

lisas inchadas arrepiadas,

em plumas flamejantes, empinadas, esquivas,

poupo aos rabiscos os corpos da neve,

jogo Jesus ao chão

sob o fardo da cruz, voejam pássaros

como espectros num matagal de sonho, flores em flocos

a rir aflitas entre ervas murchas.

Eu às vezes esqueço,

eu às vezes conjuro tanta angústia,

eu às vezes escuto de distantes

anos de sombras, muitos anos, música:

Sonata a Krautzer*... Mas na janela

sei que, nas minhas costas,

riem de mim.

Mas quem me conhece, quem sabe – é Ela.

_________

*Sonata No.9, para violino: “à Kreutzer”, Beethoven

CURIOSIDADES PICTÓRICAS II

A variedade de tema na pintura impressiona,
este quadro revela um tema inusual e anedótico.

PAINÉIS DE S. VICENTE DE FORA 

Atribuídos a Nuno Gonçalves (pois quando foi reconstruído a primeira vez, foram encontradas as suas iniciais na bota esquerda de D. Afonso V), encontrados em1832, no Mosteiro de S. Vicente de Fora, pensa-se que foram feitos em 1460.

Trata-se de uma obra muito enigmática, devido as suas variadas interpretações, como por exemplo, o material com a qual foi pintada: uns pensam que foi a têmpera sobre madeira de carvalho, outros que foi pintada a óleo e outros que foi a gesso e a cola. As razões que indicam que fosse a óleo são que ao fazerem as radiografias da obra, foram descobertas algumas alterações efectuadas durante a sua realização, e alguns pormenores, que só eram possíveis utilizando este método; as razões da sua elaboração a gesso e a cola são que a obra revela uma camada cromática em que estão presentes, essencialmente, as cores primárias no fundo, efeitos de luz e o contraste entre cores claras e escuras.

Representa, principalmente, a sociedade portuguesa da época, ou seja, os seus grupos sociais, e a importância que detinham.

Outra das características mais evidentes da obra é a textura dos vestidos, desde os bordados, aos veludos, algodões, e até aos metais, nas vestes dos nobres, que revelam grande realismo.

Nesta obra, a cor é muito trabalhada, desde o branco ou cores neutras, no painel dos frades, o verde, no dos pescadores, que indica esperança, nos painéis centrais, mais utilizado o vermelho para realçar o tema central do quadro, e no lado direito, são as cores vivas que predominam. É também dotada de um grande espírito de geometrização pois estão presentes em cada quadro, três figuras centrais, excepto no painel dos cavaleiros que possui quatro. Na parte superior da obra é igualmente possível observar-se um muro humano, não permitindo assim a existência de uma grande perspectiva ou profundidade no quadro, apenas através do chão é que é possível observá-la, em que as suas linhas nos indicam o ponto de fuga.

Esta obra é caracterizada também por deter variadas interpretações, mas irei aqui analisar detalhadamente e individualmente cada um dos quadros, abrangendo uma parte de cada interpretação: O primeiro painel, onde se destacam os frades, que devido ao seu hábito branco se pense se tratarem de cistercienses de Alcobaça ou agostinhos regulares do Mosteiro de S. Vicente; é também possível identificar-se um madeiro, carregado pelo frade de cabelo e barba longos, que se pensa tratar-se de um caixão que guardava as relíquias de S. Vicente ou um leito de pregos, relacionado com o martírio do Santo.

O segundo painel, trata-se do Painel dos Pescadores, onde é possível observar três figuras, que aparentam exercer essa mesma profissão, e que se desconhece se se tratam de figuras históricas ou pescadores anónimos. Possui ainda outra curiosidade que é que a rede que cobre estes pescadores foi pintada por outro autor. Estas três figuras formam um triangulo, dando-nos a sensação de existir algo que os une; Há um dos pescadores que se destaca que se encontra ajoelhado, segurando o rosário, e olhando sempre fixamente para qualquer observador do quadro; Embora se assemelhe a um frade, devido ao hábito castanho, o rosário que pega, é constituído por vértebras de peixe, dando-nos a certeza de que a figura se enquadra;

No terceiro e no quarto painéis, ou seja, os painéis centrais, encontra se representada a figura de S. Vicente, como uma figura tutelar, em torno da qual se dispõem figuras de grande importância histórica. Este Santo está destacado, quer pelo espaço central que ocupa na obra, quer pela incidência dos focos de luz e força luminosa do rosto.

O terceiro painel é conhecido pelo Painel do Infante, pela presença do Infante D. Henrique, à direita do Santo; Este painel possui uma particularidade, que é a representação de duas figuras femininas (a rainha e a rainha-mãe – D. Isabel e D. Leonor) e um adolescente (embora o quadro anterior, dos pescadores, suscite algumas dúvidas quanto ao sexo do pescador de azul). Este acto pode ser entendido como um juramento ou veneração à família real. Outra curiosidade neste painel é, o livro que S. Vicente se encontra a segurar, trata-se do livro dos Evangelhos (Evangelhos segundo S. João), que nesta obra se encontra legível ao observador; o homem a quem S. Vicente se dirige é muito provavelmente, o rei D. Afonso V.

O quarto painel, também conhecido como Painel do Arcebispo, uma designação um pouco insólita, pois a personagem à qual o nome do quadro é atribuído, encontra-se num terceiro plano, ou seja, no fundo do quadro; os protagonistas deste painel, através das suas semelhantes vestes e armas (lanças e espada), apercebemo-nos que estes são cavaleiros da alta nobreza da sociedade. Um simbolismo bastante evidente neste painel é a corda que se encontra aos pés de S. Vicente, que simboliza o martírio sofrido pelo mesmo no norte de Africa, pelos mouros, caso idêntico também ao de D. Fernando, irmão de D. Afonso V, que se encontra aqui representado, ajoelhado aos pés do Santo, que foi enforcado no mesmo local, pelas mesmas “mãos”.

O quinto painel, denominado Painel dos Cavaleiros, detém um grande sentido de igualdade, bastante diferente do anterior. Os quatro cavaleiros que se destacam em primeiro plano no painel, são dotados de individualidade, sendo representados com diferentes vestes e expressões faciais que as caracterizam. Ao fundo do painel, estão representados quatro elementos do baixo-clero (clero paroquial) ou representantes de Ordens militares religiosas, que trajados de branco, contrastam com as outras personagens, dando-lhes mais “relevo”. Uma curiosidade deste painel é a origem do cavaleiro que se encontra mais próximo dos eclesiásticos, que se pensa se tratar de um cavaleiro mouro.

O sexto e último painel, trata-se do Painel da Relíquia, pois a figura principal é possivelmente um elemento do alto clero, que está a segurar um osso do crânio, que é a relíquia de S. Vicente; também o enquadramento do caixão do fundo neste painel, faz transparecer que a sua utilidade era o transporte das relíquias de S. Vicente. Outro aspecto bastante bizarro, aqui representado é que todo este painel possui um carácter cristão, mas o livro que se encontra aberto, que é ilegível, trata-se da Bíblia hebraica, segurada por um suposto judeu.

PAINEL DO INFANTE (detalhe)

PAINEL DO ARCEBISPO (detalhe)

PAINEL DOS FRADES

 

PAINEL DOS PESCADORES

PAINEL DO INFANTE

PAINEL DO INFANTE (detalhe)

PAINEL DOS CAVALEIROS

PAINEL DO ARCEBISPO

PAINEL DA RELÍQUIA

PAINEL DA RELÍQUIA (detalhe)

(Clique nas imagens para ampliá-las)